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这个秋冬,,,上海的舞台格外“德语麋集”。。从柏林剧团带来的布莱希特经典《三分钱歌剧》,,,到柏林邵宾纳剧院的《米歇尔·科尔哈斯》《理查三世》,,,再到不久前汉堡德意志剧院在乌镇上演的那部以古希腊悲剧为蓝本、、长达九小时的《人类之城马拉松剧》,,,一部部“口碑在外”的作品,,,从欧洲大陆跨越千山万水来到黄浦江畔与江南水乡。。 这几部德国戏剧作品的演进场次着实不算多,,,却轮替成为剧场和朋侪圈里的焦点话题。。险些所有德国剧目都提前数周售罄,,,“一票难求”成为常态。。观众席里有专业戏剧人,,,也有通俗白领、、大学生,,,尚有不少第一次走进剧场的年轻人。。特殊引人注目的是那些拖着行李箱的身影,,,他们从天下各地直奔剧场。。有些剧院甚至不得不开发专门的行李寄存区;;;演出竣事后,,,从地铁车厢到咖啡馆,,,从朋侪圈到戏剧类自媒体,,,讨论一起延续。。 与此同时,,,学术层面的对话也在睁开::奥斯特玛雅与孟京辉在复旦的对谈座无虚席,,,赖声川与柏林剧团艺术总监在上海戏剧学院的学术交流,,,引发业内对“怎样作育下一代创作者”的再思索。。一时间,,,“德国戏剧”成了上海文化圈最热的要害词之一。。 在不少人的想象里,,,“德国戏剧”经常等同于“严肃、、难明、、冷门”。。但这一轮演出热潮告诉我们::它们并没有只停留在小圈子里,,,观众的热情突破了旧有的刻板印象。。 这股热潮背后,,,观众和创作者真正追寻的是什么??是某种可以模拟的“德国气概”吗??生怕不是。。与其说我们在看“德国戏剧”,,,不如说是在借它们的保存,,,反观我国目今话剧创作的几个要害点::我们和现实的距离,,,我们和观众的距离,,,我们和“剧场作为公共空间”的距离。。 文本的头脑重大性::戏剧怎样介入今世 走进布莱希特的《三分钱歌剧》,,,观众首先被“悦目”吸引::熟悉的旋律、、全心设计的灯光和调理,,,演员游刃有余的赞美与演出,,,一切都极具鉴赏性。。 但在“悦目”的表层之下,,,是残酷的现实::贫穷、、糜烂、、投契、、伪善,,,以及权力与资笔飘间暧昧的勾连。。那些被谱成歌的台词,,,像钉子一样钉进观众心里。。当演员直接面向观众唱出“先吃饱肚子,,,再谈品德”时,,,那种对虚伪品德的讥笑,,,穿越近百年的时空,,,仍然让人难以轻松转身离场。。 柏林邵宾纳剧院的《理查三世》则以另一种方式“咬住”现实。。极简的舞台空间里,,,没有历史课本式的品德说教,,,只有对“权力怎样天生”的冷静注视。。一个扭曲、、机敏、、迷人的“理查三世”,,,在观众眼光下一直操控、、诱惑、、起义。。演出并不急着替观众得出结论,,,而是一层层展现权力运转的机制,,,让人想到的不但是莎士比亚笔下的英格兰,,,也能自然遐想到当今天下的种种权力场域。。 特殊值得注重的是,,,导演托马斯·奥斯特玛雅刻意没有使用莎士比亚原来的英文诗体剧本,,,而是和团队一起,,,用德语散文体重新翻译了剧本,,,突破了原作在形式上与今世观众之间的距离感。。这样的改编并不是背离原作,,,而是在维护该剧精神内核的条件下,,,让故事的呈现越发清晰,,,与观众的生涯越发贴近。。 统一剧团的《米歇尔·科尔哈斯》更是把这条问题线拉到极致。。该剧改编自德国文学家克莱斯特的同名中篇小说。??死乘固氐脑云嬉斓挠镅越谧嗪投嗵趵砦谋拘畔⒅疲,,被视为德语文学中最难改编的经典之一。。但导演麦克伯尼发明了原著的焦点张力::当执法不公、、个体只能以暴力捍卫权力时,,,他事实是英雄,,,照旧恐怖分子??舞台上的争斗,,,虽然爆发在16世纪的德国,,,着实离今世观众并不遥远。。编导在大胆删去原著庞杂线索之后,,,观众反而更能明确每一句台词背后的“牙齿”。。 德国戏剧的做法给了我们一种启示::经典文本是创作者与时代对话的工具,,,而不是只能供奉的偶像。。古老的复仇、、权力与品德逆境,,,也应该直接投射到今天的生涯中,,,去天生属于21世纪的“新经典”。。 在选择演出文本时,,,德国偕行并非比我们更气馁,,,他们只是更相信观众有能力和剧场一起,,,盯着那些尚未解决的矛盾多看一会儿。。他们把“现实的硬度”托付给观众,,,而不是替观众提前把棱角磨平。。对创作者而言,,,也许更值得小心的不是“戏难看”,,,而是“戏虽然悦目,,,却什么都没望见”。。 戏剧美学的整体性::拒特手艺的狂欢 若是说德国戏剧的第一重启示,,,落在作品“表达什么、、敢不敢表达”的层面,,,那么第二重启示,,,则指向“怎样表达、、用什么语言去表达”。。这几部德国作品有一个显著的配合点::形式上十分大胆,,,但美学气概高度统一。。 乌镇戏剧节那部以古希腊悲剧为蓝本、、长达九小时的《人类之城马拉松剧》,,,在当下盛行的“短平快”文化情形中,,,险些是一种“逆行”。。导演没有刻意顺应“快节奏、、强情节”的今世观众浏览习惯,,,而是让剧情在缓慢的节奏中层层推进,,,让观众在长时间的陪同中,,,逐渐被卷入一个关于运气与责任、、文明与灾难的重大漩涡。。在这里,,,观众不再是被“一直刺激”的工具,,,而是被约请成为作品思索历程的一部分。。 布莱希特的“间离效果”不但体现在演出上,,,更体现在整个舞台呈现中。!!度智杈纭返谋尘熬、、服装具有高度典范性,,,照明直接,,,舞台就是舞台,,,没有任何掩饰“这是一场演出”的妄想。。 《米歇尔·科尔哈斯》接纳“裸演”的形式::一个空旷的舞台、、一排自力式麦克风、、一张影像事情台、、几把椅子。。演员不牢靠饰演某个角色,,,一人分饰多角,,,甚至两人合演一匹瘦马。。摄影机将捕获到的演员影像投到三面屏幕上,,,而这一切,,,都是为了让观众同时看到“演出自己”和叙事的“建构历程”。。 《理查三世》同样云云。。二层回廊式钢架结构、、靠近观众席的沙坑、、具有水泥墙质感的墙面、、悬挂于舞台中心内置摄像头的麦克风,,,配合组成了一个高度笼统的权力场域;;;现场攻击乐、、音响、、灯光与演员身体的变形相互交织,,,营造出一种既冷漠又危险的气氛。。演员在“偏激”与“榨取”之间被细密调配,,,许多意义并欠亨过台词直接说明,,,而是留在肢体与空缺中,,,期待观众在寓目中自行完成。。整场戏重新到尾,,,都在一套清晰的剧场语法内部运行。。 这几部德国作品让我们看到的,,,并不但是“形式的大胆”,,,更是“整体美学的坚守”。。现代意义上导演这个职业就起源于19世纪的德国。。导演不是“项目司理”,,,而是对整体剧场观认真的艺术家::从文本阐释、、舞台美学、、演员调理到声光设计,,,所有元素都必需听从于一个清晰的焦点看法,,,形成一个有机整体。。 柏林剧团艺术总监在上戏做学术交流时强调,,,他们更看重导演的“署名式气概”,,,而不是“随需而变”。。一个成熟的导演,,,应该有自己坚持的美学立。。,,而不是凭证市场风向和投资方偏好随时调解“气概”。。这种坚持,,,恰恰是形成“整体美学”的条件。。 剧场的温度::观众是同伴,,,而不是“消耗者” 若是说前两点启示更多关乎作品自己,,,那么第三点则指向作品背后的“剧场生态”。。 在德国,,,一些公共剧院在城市生涯中饰演的角色,,,并不但是“演进场合”。。以柏林为例,,,一座剧院往往拥有常设剧团和恒久相助的主创团队,,,每个演出季有轮换上演的保存剧目,,,也会针对当下议题推出全新作品。。剧场空间不但用于演出,,,也用于演后交流、、座谈、、戏剧事情坊和青少年戏剧教育。。 观众对剧院的影象,,,不但是“看过哪一部戏”,,,尚有“在那里度过了几多个难以忘怀的夜晚”。。在这样的结构中,,,“恒久关系”成为要害词::观众不是一次性被“收割”的票房数字,,,而是和剧院、、创作者配合开展的同伴。。创作者可以通过作品冒险,,,探索界线,,,由于他们相信::哪怕一部作品让观众感应不适或疑心,,,只要诚实,,,恒久的信任关系仍然稳固。。 这几部德国戏的“恒久主义”也在提醒我们,,,要重新审阅目今某些作品太过看重短期票房回报、、忽视恒久文化效应的征象。。本土剧场不可只知足于做天下优异作品的“展映场”,,,更应起劲成为中国文化出海作品的“孵化地”。。 不要学成“德国气概”,,,而要找到自己的声音 德国剧团的一再来访,,,虽然不可解决我们戏剧创作的所有疑心。。它们带来的,,,更像是一种提醒::在伟德体育剧场里,,,现实可以再坚硬一点,,,形式可以再大胆一点,,,剧场与观众的关系可以再恒久一点。。 作为一名在戏剧学院教学、、在剧场里排戏的创作者,,,我常在课堂和排演厅之间往返,,,在外地创作和外来演出之间往返较量。。制度的惯性、、市场的压力、、创作者个人的疲劳,,,都会让人不自觉地选择“求稳”。。而这一再与德国戏剧的相遇,,,带给我的启示是::剧场的实力,,,恰恰在于它仍然能在有限的时间、、空间里,,,让我们有时机更认真地看一看这个天下,,,也看一看自己。。 也许,,,真正的“启示”,,,并不是要我们酿成“像德国人那样”的创作者,,,而是在自己的国家、、自己的城市、、自己的语言中,,,找到一种既面临现实、、又信任观众的创作方式。。 近期德国今世戏剧一票难求的征象背后,,,不是我们热爱戏剧的观众和创作者们想要追求某种可模拟的“德国气概”,,,而是在寻找一种可能性,,,一种根植于中国文化古板、、勇于面临今世问题,,,既具有国际视野,,,又坚守艺术品质的声音。。

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